David ou Davi é uma das esculturas mais famosas do artista renascentista Michelangelo. O trabalho retrata o herói bíblico com realismo anatômico impressionante, sendo considerada uma das mais importantes obras do Renascimento. A escultura encontra-se em Florença, Itália, cidade que originalmente encomendou a obra.

Após seu retorno de Roma para a realização de sua primeira obra-prima, a Pietà, Michelangelo Buonarroti recebeu o desafio de esculpir o David quando havia apenas 26 anos! Antes dele, outros dois artistas – Agostino di Duccio e Bernardo Rossellino – haviam tentado iniciar a escultura do bloco apelidado de “Il Gigante“, devido às suas medidas grandiosas, com mais de 4 metros de altura. Iniciou os trabalhos em 1502 e levou 18 meses para esculpir o grande bloco de mármore, sem a ajuda de ninguém e escondido de todos para que ninguém o visse antes de pronto.

A postura de David, de Michelangelo, difere em muito das representações renascentistas do personagem. As esculturas em bronze de Donatello e Verrocchio representam o herói bíblico em postura arrojada e vitoriosa sobre ou portando a cabeça de Golias. Uma pintura de Andrea del Castagno, inclusive, retrata o jovem Davi em postura titubeante com a cabeça de Golias aos seus pés. Entretanto, nenhum outro artista florentino havia retratado o personagem sem a presença de seu algoz. De acordo com Helen Gardner e outros historiadores, David é representado nos instantes anteriores à sua mítica batalha contra Golias. Ao invés de ser demonstrado vitorioso sobre um oponente muito superior, Davi é retratado por Michelangelo tomado de tensão antes de seu confronto decisivo. A obra parece demonstrar Davi após a decisão de confrontar Golias, mas antes da batalha propriamente dita, um momento oscilante entre escolha e atitude. Sua testa está repuxada, seu pescoço tensionado e suas veias sobressaem ao longo do braço direito. A torça de seu corpo transmite ao espectador a sensação de que o personagem está em movimento, o que foi obtido através da técnica do contrapposto. A estátua é uma reinterpretação renascentista da temática heroica grega do nu masculino. No Alto Renascimento, as posições em contrapposto eram interpretadas como um traço distintivo da escultura clássica. Este conceito ganha vida em David, uma vez que a figura parece sobrepor todo seu peso sobre uma das pernas, enquanto a outra somente lhe fornece sustentação. Esta postura clássica faz com que quadris e ombros da estátua repousem em ângulos opostos, causando uma breve curvatura em 'S' no perfil geral da obra. O contrapposto é enfatizado pela direção da cabeça à esquerda e pelas posições contrastantes dos braços.

   Datada de 100-190 a.C, feita em mármore, tem altura de 198 cm (ou 202 cm, como algumas fontes citam). Foi encontrada durante o século II a.C., na ilha de Milos, no Mar Egeu. A Vênus de Milo deve esse nome ao fato de ter sido descoberta na ilha grega de Milos, em 1820

Obra prima pelo movimento que o artista conseguiu no corpo esculpido no mármore. Ela apresenta em sua superfície inúmeras mutilações que aparentemente foram provocadas por golpes violentos, e Carus supõe que após o surgimento do cristianismo ela deve ter sido objeto da fúria de uma multidão que tentou destruir o ídolo pagão.

Estava semi-enterrada e separada em duas partes. Junto à ela também se encontraram fragamentos de um antebraço e uma mão com uma maçã, que se acredita que pertenciam à Vênus. Supõe-se que em seu braço direito sustentava uma túnica e na mão esquerda a tal da maçã.

Eris, a Deusa da Discórdia chegou em uma festa de casamento e jogou à mesa uma maçã de ouro que deveria pertencer à deusa mais bela de todas. Imediatamente três deusas começaram a disputá-la: Afrodite, Atenea e Hera. Zeus pediu que o mortal e filho do rei de Tróia, Páris entregasse a tal maçã aquela que fosse a mais formosa.

Cada uma das deusas queria porque queria convencer o pobre Páris de sua superior beleza. E foram uma a uma oferecendo algo em troca de sua escolha: poder, títulos, sabedoria, mas Afrodite lhe ofereceu o amor da mais bela mulher do mundo (mortal). E claro que ele deu à vitória à Afrodite. Só que a deusa esqueceu de um detalhe, a mulher mais bela já estava casada com o Rei de Esparta. Mas Páris louco de amor, raptou a bela Helena e a levou à Tróia, e daí você já sabe o que aconteceu né?! A Guerra de Tróia!

O Pensador (em francês: Le Penseur) é uma das mais famosas esculturas em bronze do escultor francês Auguste Rodin. Retrata um homem em suposta meditação, determinado a transcender seu sofrimento através da poesia. Ele é a representação de um homem de seus quarenta anos, idade de Rodin quando criou a forma original; sentado, com a cabeça baixa, apoiada em sua mão direita.

Inicialmente, fazia parte de um conjunto de figuras que compunham o monumento As Portas do Inferno, em homenagem à Divina Comédia, de Dante, encomendado, em 1880, pelo governo francês

Quando concebido em 1880 em seu tamanho original,70 cm (mas em 1904 Rodin decidiu ampliá-la para 1,80). como o elemento culminante de “As Portas do Inf rno”, O Pensador representava Dante, autor da Divina Comédia, inclinando-se para observar os círculos do Inf rno, enquanto meditava em seu trabalho. O Pensador foi, portanto, inicialmente, tanto um ser com um corpo torturado, quase uma alma condenada, e um homem de pensamento livre, decidido a ultrapassar o seu sofrimento através da poesia. 

A primeira Pietà feita por Michelangelo é conhecida como pietà vaticana por se encontrar dentro da Basílica de São Pedro no Vaticano. Com 1,74 de altura, 1,95 de largura e 69 cm de profundidade, foi também a primeira obra-prima de Michelangelo.

Com pouco mais de 20 anos, Michelangelo completou esse belíssimo trabalho, que até hoje ainda rende muitos suspiros e surpresas, pois ele conseguiu trabalhar uma obra como essa em um mármore com pouquíssima profundidade.

É também a única obra assinada por ele. Na faixa que passa pelo manto da Virgem é possível ler: MICHE.A[N]GELVS BONAROTVS FLORENT[INVS] FACIEBAT – o florentino Michelangelo Buonarroti que fez.

O que chama atenção nessa obra, diferentemente de outras feitas anteriormente, é que Michelangelo esculpiu as duas figuras de modo muito realista: a Virgem sentada em uma pequena pedra, representando o monte Calvário, e o próprio Jesus, deitado no corpo da mãe já sem vida.

O que ainda é muito questionado nessa obra é a aparência jovem da Virgem Maria. Os estudiosos de Michelangelo dizem que ele quis retratar o espírito da Virgem e não a idade dela na morte do filho, demonstrando a castidade, a santidade e incorruptibilidade da juventude.

A estátua forma uma composição piramidal, acentuada pela roupa de Maria: uma linha vertical representada pela Virgem e uma curva feita pelo corpo de Jesus. Na Pietà de Michelangelo, Maria também não parece desesperada, com a mão esquerda aberta ao espectador, como quem quer dizer que não há nada que ela possa fazer.

Não há palavras para descrever a beleza dessa obra. E pensar que Michelangelo tinha pouco mais de 20 anos quando a concluiu. É milagroso o fato dessa obra ter tanta profundidade com o pouco de espaço que Michelangelo tinha para trabalhar na pedra.

Nada mais justo que finalizar com as palavras de Vasari quando a obra completou 50 anos: “nunca um escultor nem artista raro poderia conseguir um desenho ou graça, nem mesmo com muito esforço, conseguiria extrair tanta fineza e polimento ,e trabalharia o mármore com tanta arte quanto Michelangelo o fez, porque se percebe nela todo o valor e o poder da arte”.

Vemos Maria em transição, a tranquilidade assumindo o lugar da tristeza, evidente na serenidade do rosto de Maria e no gesto gentil de seu braço esquerdo: Deixe-o ir.

A expressão serena de Maria é apoiada pela solidez de seu enorme manto. Deixando a angústia, ela aparece como uma montanha, com fé inabalável, ainda inclinando-se para o lado um pouco, superando o esmagador peso dos eventos recentes.

Seu rosto venceu o sofrimento. Ela segura o corpo do filho nos braços. A excepcional beleza de seu rosto – talvez a face mais bela já esculpida na Terra – só é igualada pela paz de sua expressão. A última coisa que Ele sentiu na Terra foi claramente a perfeição dos céus.

Michelangelo mesmo disse, numa frase comumente citada, que tinha a intenção de retratar uma “visão religiosa de abandono e o rosto sereno do Filho”.

A arte genuína tem o poder de fortalecer o espírito das pessoas. O coração de Michelangelo, obviamente, sabia desta verdade. Tendo perdido a mãe aos 5 anos (ele mencionou ter usado sua memória como um modelo para o rosto da Virgem), o florentino conhecia em primeira mão sobre a grande perda e sobre como ficar em paz com ela.

Executada em mármore branco em 1886, a escultura representa dois amantes absorvidos num intenso beijo realizada por Auguste Rodin, transmitindo uma força emotiva e sensual que tornou esta obra numa das mais famosas esculturas de todos os tempos.

A associação das duas figuras a um bloco de mármore grosseiramente aparelhado, permitia acentuar o contraste de textura e consequentemente destacar a leveza, sensualidade e carnalidade dos corpos.

"O beijo" representava originalmente Paolo e Francesca, dois personagens emprestados a partir de A Divina Comédia de Dante: mortos pelo marido de Francesca, que os surpreendeu na troca do seu primeiro beijo, os dois amantes foram condenados a vaguear eternamente através do Inferno. 

O Discóbolo (do grego Diskobólos, lançador de disco) é uma estátua do escultor grego Míron, que representa um atleta momentos antes de lançar um disco. Provavelmente seja a estátua de desportista em ação mais famosa do mundo.

Segundo nos dizem Plínio, o Velho e Luciano de Samósata, o original fora produzido em bronze em torno de 455 a.C para ser instalado em um palácio de Atenas, possivelmente criado para comemorar um atleta vitorioso no antigo pentatlo, mas a obra acabou se perdendo ao longo do tempo. A composição no entanto sobrevive em diversas cópias romanas, todas com variações entre si, o que deixa algumas dúvidas sobre a conformação exata do original.

Estilisticamente o Discóbolo ilustra a transição do Estilo Severo para o Estilo Clássico. A descrição anatômica tem um caráter mais naturalista do que a idealização praticada pelos seus antecessores imediatos, e apesar de dinâmica, é mais ou menos confinada dentro do plano frontal, à maneira de um alto-relevo. A vanguarda da escultura grega logo após Míron se tornou celebrada por dar a verdadeira independência tridimensional à escultura, criando obras igualmente eficientes em todos os ângulos. Essas características, se lhe dão um caráter transicional, não lhe retiram mérito próprio como obra perfeitamente acabada sob todos os aspectos, quando analisada no contexto de seu próprio momento histórico e cultural. Sob outro ponto de vista, Míron foi um pioneiro justamente pela introdução de uma abordagem anatômica e cinesiológica mais próxima do natural, e por ter conseguido sintetizar em arte um ideal de beleza física, de equilíbrio dinâmico e de harmonia entre mente e corpo, antecipando em muitos aspectos a produção de Fídias e Policleto. Na representação de atletas, a composição de Míron foi uma completa novidade.

A questão do ilusionismo como recurso artístico, que se tornou tão cara aos gregos clássicos, fica mais evidente quando sabemos que, de acordo com os estudos atuais, embora o Discóbolo tenha enorme qualidade como obra de arte e tenha se tornado um modelo na representação do movimento do corpo humano, não representa o movimento real que o atleta faz no ato de lançar o disco.

A quantidade de cópias conhecidas indica que a obra foi muito popular na Roma Antiga.

David de Donatello é uma das mais famosas obras de Donatello, feito totalmente em bronze. Considerada a grande obra-prima de Donatello, este David feito todo em bronze num posição extremamente comprometedora e boiola, com os mamilos acesos e um pênis quase desaparecendo, marca o estilo renascentista de produção de estátuas que causam vergonha alheia.

Donatello era tão viciado em esculpir estátuas que antes da sua escultura mais famosa em bronze já havia feito outra escultura de David, mas vestido e esculpido em massa de macarrão.

O ano da conclusão do David em bronze é incerto, algo entre 1440 e 1450, foi um escândalo total, Donatello havia criado a primeira escultura de um homem nu da época revolucionando o renascimento. Depois disso todos os artistas da Itália passaram a pintar mulheres peladas e esculpir homens de bilau pequeno.

A técnica utilizada por Donatello também foi revolucionária. Um dia, enquanto assava biscoitos utilizando suas forminhas em formato de coração e estrela Donatello teve a ideia de criar formas para produzir estátuas de bronze. E foi em negativo que criou a sua obra-prima.

O fato da escultura ser de bronze garante um aspecto totalmente fashion à escultura, como se David tivesse um bronzeado sedutor e o brilho causa uma sensação como se o corpo estivesse todo coberto de óleo Cenoura & Bronze.

A estátua foi primeiramente exposta no Palazzo Medici em Florença, pois a família Medici era conhecida por sua homossexualidade enrustida e se identificaram com aquela estátua.

Porém os Medici foram banidos de Florença em 1497 quando um decreto anti-boiolismo foi baixado, e a estátua de David foi jogada em algum porão do Palazzo della Signoria para poupar as famílias de bons costumes de ver aquela indecência.

Séculos depois, em 1865 quando o iluminismo tomou conta da Itália, a estátua de David de Donatello foi resgatada e exposta no Museu Bargello.

Moisés (Mosè) é uma das principais obras do artista renascentista Michelangelo. Conta-se que após terminar de esculpir a estátua de Moisés, Michelangelo passou por um momento de alucinação diante da beleza da escultura. Bateu com um martelo na estátua e começou a gritar: Por que não falas? (em italiano: Per ché non parli?).

Segundo Ernesto Fischer, no seu livro "A necessidade da arte" (capítulo II), esta obra não só personificava o ideal do homem do Renascimento ("a corporificação em pedra de uma nova personalidade consciente de si mesma"), como também se apresentava como um repto para que a sociedade de então encarnasse esse ideal - no fundo, o mesmo desejo de Moisés, ao trazer as tábuas da lei que deveriam reformar a sociedade do seu tempo.

Ao observar atentamente a estátua, pode-se verificar que Moisés possui um par de chifres acima dos seus olhos, nascendo por baixo dos seus cabelos.Uma explicação para o sucedido poderá ser a tradução errada de karan (baseado na raiz keren, que geralmente significa "chifre"; o termo é atualmente interpretado como significando "radiando" ou "emitindo raios") feita por São Jerônimo para o latim.

A escultura está na basílica de San Pietro in Vincoli, Roma.

A Vitória de Samotrácia, também conhecida como Nice de Samotrácia, é uma escultura que representa a deusa grega Nice (em grego Νίκη, Níkē ou Niké – "Vitória"), cujos pedaços foram descobertos em 1863 nas ruínas do Santuário dos grandes deuses de Samotrácia. Em grego, o seu nome é Níkē tes Samothrakes (Νίκη της Σαμοθράκης). Fazia parte de uma fonte, com a forma de proa de embarcação, em pedra calcária, doada ao santuário provavelmente pela cidade de Rodes. Ocupa lugar de destaque numa escadaria do Museu do Louvre, em Paris.

Produzida por algum escultor desconhecido, provavelmente rodiano, acredita-se que a estátua foi confeccionada entre 220 e 190 a.C.. Quando de sua descoberta em 1863, acreditou-se que seu patrocinador teria sido o general e rei Demétrio I da Macedónia, chamado Poliórcetes, após sua vitória em Chipre entre 295 e 289 a.C., mas evidências encontradas em novas escavações mostram que o pedestal foi erguido provavelmente perto do ano 200 a.C. e provavelmente para comemorar uma vitória naval em Rhodes. As semelhanças com figuras e drapeados da vestimenta de esculturas do Altar de Pérgamo (c.170 a.C.) são grandes.

A Vitória foi descoberta pelo consul e arqueologista amador francês Charles Champoiseau em abril de 1863, que a enviou para Paris no mesmo ano. Em novas escavações, alguns anos depois, descobriu a proa da embarcação que hoje sustenta a estátua na Escadaria Darú. Em 1948 foi descoberta a mão elevada em saudação, que encaixou em um outro fragmento de dedo existente em Viena, estabeleceu a moderna reconstrução, que repousa no Louvre.

Apesar dos danos significativos e de estar incompleta, é considerada uma das grandes sobreviventes do período helenístico. Obra de leveza da escultura grega, apesar de sua estrutura maciça, apresenta-se deslizando suavemente, cortando o vento. Mostra mestria na forma e no movimento, que impressionou críticos e artistas desde sua descoberta. É particularmente admirada por seu naturalismo e pela fina realização dos drapeados. É considerado um dos grandes tesouros do Louvre.

É também um ícone cultural, explorado por outros artistas em vários contextos.

Augusto de Prima Porta é uma estátua do imperador romano Augusto que foi descoberta em 20 de abril de 1863 na Villa de Augusto, Prima Porta, Roma. Atualmente está a mostra no Braccio Nuovo nos Museus Vaticanos.

A estátua, baseada no Doríforo de Policleto do século V a.C., é uma imagem idealizada de Augusto, foi talhada em mármore e estava na Casa de Lívia Drusa, esposa do imperador. Ainda contém alguns resquícios de tintas douradas, púrpuras, azuis e outras cores com as quais ela foi policromada.

Porta do Inferno (La Porte de l'Enfer, em francês) é uma escultura de Auguste Rodin, iniciada em 1880 e finalizada apenas em 1917.

A obra foi encomendada em 1880 como um conjunto de portais a ser instalado no Cour de Comptes, no Museu de Artes Decorativas de Paris, que havia sofrido um incêndio. Foi o próprio Rodin quem escolheu como tema a Divina Comédia de Dante.

Feita em bronze, traz 180 figuras com dimensões que variam de 15 cm a mais de um metro. Diversas figuras foram reproduzidas em tamanho maior como esculturas independentes. Entre elas estão O Pensador, O Beijo e As Três Sombras.

O grupo de Laocoonte é uma escultura em mármore, também conhecida como Laocoonte e seus filhos, hoje em dia exposta no Museu do Vaticano.

A estátua representa Laocoonte e seus dois filhos, Antífantes e Timbreu, sendo estrangulados por duas serpentes marinhas, uma lenda da Guerra de Troia também relatada na Eneida de Virgílio. Laocoonte, um sacerdote de Apolo, teria irritado o deus, ou por ter se casado e tido filhos, ou por ter arremessado uma lança contra o cavalo de Troia. Em vingança, o próprio Apolo teria enviado os répteis (no caso como na escultura, serpentes) para matar seus filhos, e Laocoonte foi morto ao tentar salvá-los.

A redescoberta do grupo de Laocoonte causou sensação em Roma e a sua apresentação à cidade como parte da colecção dos jardins do Vaticano foi um acontecimento social. Felice de Fredi foi recompensado com uma pensão vitalícia de 600 ducados por ano e quando morreu, o seu papel na descoberta da estátua ficou mencionado no seu túmulo.

O grupo de Laocoonte foi uma das influências principais nos trabalhos de Michelangelo posteriores à sua descoberta. O escultor italiano ficou bastante impressionado com a monumentalidade da escultura e a estética helenística das personagens, em particular a figura de Laocoonte.

O Êxtase de Santa Teresa ou a Transverberação de Santa Teresa (1647–1652) é uma escultura de Gian Lorenzo Bernini, um dos maiores escultores do século XVII, representando a experiência mística de Santa Teresa de Ávila trespassada por uma seta de amor divino por um anjo, realizada para a capela do cardeal Federico Cornaro. A madre Teresa de Jesus, nascida Teresa de Cepeda y Ahumada morreu em Alba de Tormes em 4 de Outubro de 1582.

Esculpida durante o período de 1645-1652, seguindo as tendências do estilo barroco, ela se encontra em um nicho em mármore e bronze dourado na Capela Cornaro, Igreja de Santa Maria della Vittoria, Roma. É considerada uma das maiores obras-primas do Barroco. A beleza da obra se deve ao uso da iluminação e da fidelidade da escultura, que conferem à obra sensibilidade, pois o escultor aplicava em suas esculturas o uso de corpos alongados, gestos expressivos, expressões mais simples porém mais emocionadas.

Bernini seguia as determinações da Igreja Católica Romana, que diziam que a arte religiosa deveria ser inteligível e realista, e servir, acima de tudo, como um estímulo emocional à religiosidade. Bernini serviu a Cidade do Vaticano durante muito tempo, criando esculturas feitas por pedido.

As duas figuras escultóricas centrais, a da freira desmaiada e o anjo com a lança, derivam de um episódio descrito por Teresa de Ávila, uma mística reformadora e freira carmelita descalça de clausura. Em sua autobiografia, "A Vida de Teresa de Jesus" (1515-1582), sua experiência de êxtase religioso em seu encontro com o anjo é descrita da seguinte maneira:

"Eu vi em sua mão uma longa lança de ouro e, na ponta, o que parecia ser uma pequena chama. Ele parecia para mim estar lançando-a por vezes no meu coração e perfurando minhas entranhas; quando ele a puxava de volta, parecia levá-las junto também, deixando-me em chamas com o grande amor de Deus. A dor era tão grande que me fazia gemer; e, apesar de ser tão avassaladora a doçura desta dor excessiva, não conseguia desejar que ela acabasse. A alma está satisfeita agora, com nada menos que Deus. A dor não é corporal, mas espiritual; embora o corpo tenha sua parte nela. É uma carícia de amor tão doce que agora acontece entre a alma e Deus, eu oro a Deus por Sua bondade para fazê-lo experimentar naqueles que podem pensar que estou mentindo." Santa Teresa de Ávila.

O grupo é iluminado por luz natural filtrada através de uma janela escondida na cúpula da edícula circundante, e é ressaltada por raios de estuque dourado. Teresa é mostrada deitada em uma nuvem, indicando que esta é uma aparição divina que estamos testemunhando. Outras testemunhas aparecem nas paredes laterais; retratos em alto relevo e tamanho real de membros masculinos da família Cornaro. O cardeal Federico Cornaro e o Doge Giovanni I Cornaro estão presentes e discutem o evento em "camarotes", como se estivessem no teatro. Embora as figuras sejam executadas em mármore branco, a edícula, os painéis de parede e os camarotes de teatro são feitos de mármores coloridos. Acima, a abóbada da Capela é pintada em afresco, com um céu ilusionista cheio de querubins com a luz do Espírito Santo alegorizada como uma pomba.

Manneken Pis (garoto a urinar) é um monumento de Bruxelas, Bélgica. É uma pequena fonte em bronze de um menino a urinar para a bacia da fonte.

Nas festividades a estátua é enfeitada com diversos disfarces. O seu "guarda-roupa" conta, hoje em dia, com mais de 800 peças.

As fotografias normalmente tiradas à estátua dão uma sensação errada da sua verdadeira estatura; muitos turistas ficam desapontados ao descobrirem uma pequena estátua em vez de uma maior.

No Rio de Janeiro, há uma estátua parecida em frente à sede do Botafogo. A estátua foi adotada pela torcida desse time e apelidada de "Manequinho".

Em 28 de Abril de 2007, por iniciativa da comunidade portuguesa na Bélgica, foi vestido com o traje tipico do Minho.

Uma atracção pouco vulgar, esta pequena estátua de um rapaz com apenas 61 cm de altura a urinar para um pequeno tanque é uma imagem tão típica de Bruxelas como os leões da Trafalgar Square são de Londres. A estátua de bronze original, de Jerôme Duquesnoy, o Velho, foi colocada no seu lugar em 1619 e o design irónico reflecte a necessidade genuína de água fresca potável naquela área.

No século XVIII foram várias as tentativas de roubar a estátua, sobretudo pelos exércitos francês e britânico em 1745. Mas foi o roubo de 1817, por um ex-condenado, Antoine Licas, que provocou mais alarme: o ladrão despedaçou a estátua pouco depois de a ter roubado. No ano seguinte foi feita uma réplica que ocupa o lugar da estátua original, e é essa cópia que vemos hoje (a estátua original está na Maison du Roi).

A inspiração para tão famosa estátua continua desconhecida, e o mistério levou à criação de rumores e fantasias, aumentando o encanto deste rapazinho. Uma das versões conta que, no final do século XII, o filho de um duque foi encontrado a urinar contra uma árvore no meio de uma batalha e foi por isso celebrizado numa estátua de bronze como símbolo da coragem militar do país.

Hermes com o infante Dionísio, também conhecido como Hermes de Olímpia, é um grupo escultórico em mármore representando o deus grego Hermes com o deus Dionísio criança, tradicionalmente atribuído a Praxíteles, e preservado no Museu Arqueológico de Olímpia, na Grécia.

Foi executado em mármore de Paros, e tem 2,13 m de altura. O grupo foi achado em 1877 nas ruínas do Templo de Hera em Olímpia. Estava em fragmentos, e várias partes faltavam: as duas pernas de Hermes abaixo dos joelhos, seu braço direito, alguns dedos na mão esquerda, a cabeça e os braços de Dionísio, além do pedestal e partes do tronco de árvore. Pouco depois foram encontradas várias dessas partes, que foram reintegradas. As partes ausentes foram recriadas, mas foram removidas em um restauro moderno. Hermes segura Dionísio com seu braço esquerdo, apoiado sobre um tronco de árvore coberto pelo seu manto, que cai até o chão, enquanto o direito permanece elevado. Segurava algum objeto, para o qual Dionísio olha. Orifícios na cabeça sugerem que originalmente Hermes devia ter ostentado uma coroa de louros de metal, e resíduos de pigmento indicam que o grupo foi pintado, pelo menos parcialmente. O dorso de Hermes, originalmente polido como a frente, foi refeito mais tarde por um mestre desconhecido e permanece mal acabado. Outras partes também podem ter sido retrabalhadas, como as sandálias e o pedestal.

Exército de terracota, Guerreiros de Xian ou ainda Exército do imperador Qin, é uma coleção de esculturas de terracota representando os exércitos de Qin Shi Huang, o primeiro imperador da China. É uma forma de arte funerária enterrada com o imperador em 210-209 a.C. e cuja finalidade era proteger o governante chinês em sua vida após a morte.

As esculturas, que datam de aproximadamente do final do século III a.C., foram descobertas em 1974 por agricultores locais no Distrito de Lintong, em Xi'an, na província de Shaanxi.

Os soldados variam em altura de acordo com suas funções, sendo os generais os mais altos. As estátuas incluem guerreiros, carruagens e cavalos. Estimativas atuais são de que nos três poços que contêm o Exército de Terracota, havia mais de oito mil soldados, 130 carruagens com 520 cavalos e 150 cavalos de cavalaria, a maioria dos quais ainda estão enterrados nas covas nas proximidades Mausoléu de Qin Shihuang‎. Outras esculturas de terracota não-militares também foram encontradas em outros poços e incluem funcionários, acrobatas e músicos.

esculturas lendárias, com aproximadamente 4 metros de altura, foram feitas de enormes pedras vulcânicas, escória vermelha e basalto.

Nem todos os Moais foram feitos com os mesmos materiais. A maioria (mais de 800) foi construída com pedras vulcânicas, mas outras usavam escória vermelha e basalto. Eles também não são do mesmo tamanho, embora a média seja de 4,5 metros. Por exemplo, uma das esculturas mais destacadas é a Te Tokanga (O Gigante), que mede mais de 21 metros e pesa mais de 270 toneladas. Outro aspecto que faz a diferença é o estágio em que foram criados, os primeiros são menores e têm a cabeça e o corpo mais arredondados. Em outras fases, foram estilizados, adquirindo formas mais retas, orelhas grandes e nariz comprido. Não há escultura igual a outra e isso ocorre porque cada uma representa possivelmente algum deus ou ancestral, portanto os recursos seriam personalizados.

O Beijo da Morte é uma escultura em mármore, encontrada no Cemitério Poblenou, em Barcelona

A escultura é encontrada acima do túmulo do fabricante têxtil Josep Llaudet Soler . e foi criado em 1930. O túmulo abaixo contém a inscrição:

"Seu coração jovem é assim extinto. O sangue em suas veias esfria. E toda a força se foi. A fé foi exaltada por sua queda nos braços da morte. Amém."

Dizem que a escultura inspirou o Sétimo Selo , de Ingmar Bergman .

Em vez de descrever a morte como um anjo alado, o escultor escolheu um esqueleto. O erotismo do beijo é difícil de escapar - a escultura mostra a juventude acolhendo a morte como parceira. A escultura é ao mesmo tempo romântica e horripilante, o que leva a diferentes visões das pessoas que a visualizam. Atrai e repele de uma só vez, o desejo de tocar combina com o desejo de fugir.

Foi esculpida em calcário oolítico, material que não existe na região, e colorido com ocre vermelho.

Em 1990, após uma revisão da análise estratigráfica deste sítio arqueológico, estimou-se que tivesse sido esculpida há 22 000 ou 24 000 anos. Pouco se sabe sobre a origem, método de criação e significado cultural.

O busto de Nefertiti é um busto feito de calcário com cerca de 3400 anos de idade, retratando Nefertiti, a Grande Esposa Real do faraó egípcio Aquenáton, uma das obras de arte mais imitadas do Antigo Egito. Devido à obra, Nefertiti tornou-se uma das mulheres mais célebres da Antiguidade, bem como um ícone da beleza feminina. Acredita-se que tenha sido feito em 1345 a.C., pelo escultor Tutemés.

Uma equipe de arqueólogos alemães, liderada por Ludwig Borchardt, descobriu o busto em 1912, no ateliê de Tutemés em Amarna, no Egito, e ele foi desde então mantido em diversas localidades da Alemanha - incluindo uma mina de sal em Merkers-Kieselbach, o Museu Dahlem (então em Berlim Ocidental), o Museu Egípcio de Charlotemburgo e o Museu Altes. Atualmente está em exposição no Neues Museum, em Berlim, onde era exibido antes da Segunda Guerra Mundial.

O busto de Nefertiti tornou-se um símbolo cultural da capital alemã, bem como do Egito Antigo. Também é tema de uma intensa discussão histórica entre os dois países, em vista da exigência das autoridades egípcias por sua devolução desde a década de 1920. Existem também controvérsias envolvendo sua autenticidade, e sua relação com a exposição de arte O Corpo de Nefertiti.

Nefertiti (literalmente "A bela chegou") foi a Esposa Real do faraó egípcio Aquenáton (seu nome de faraó oficial era Amenófis IV) na 18ª Dinastia do Egito. Amenófis IV quando subiu ao trono, instituiu o culto enoteísta chamado Atonismo, dedicado ao Disco Solar Atom. Maiores detalhes da vida da Esposa Real de Aquenáton são desconhecidos, ela desaparece das crônicas do reino de Amarna no duodécimo ano do reinado de Aquenáton, acredita-se que a referida rainha teria atingido o posto de faraó e governado sozinha após a morte do faraó.

Outro ponto que vale ressaltar é que o busto não apresenta qualquer inscrição ou identificação. O Busto de Nefertiti é atribuído ao escultor real chamado Tutemés, no ano de 1345 a.C.

As Estátuas de Ain Ghazal são uma série de estátuas monumentais de gesso de cal e estátuas de junco datadas do período neolítico C pré-olaria, descobertas na Jordânia, no sítio de Ain Ghazal (Ain Gazal). Um total de 15 estátuas e 15 bustos foram descobertos entre 1983 e 1985 em dois esconderijos subterrâneos, criados com cerca de 200 anos de diferença.

Datadas entre meados do sétimo milênio a.C. e meados do oitavo milênio a.C., as estátuas estão entre as primeiras representações em grande escala da forma humana e são consideradas um dos espécimes mais notáveis da arte pré-histórica de o período B ou C do Neolítico Pré-Cerâmica.

Todos fazem parte da coleção do Museu da Jordânia em Amã, mas alguns foram emprestadas em outro lugar ou enviadas para conservação. Uma estátua está no Museu do Louvre, em Paris. Uma das figuras com duas cabeças em exposição no Louvre em Abu Dhabi. Duas estátuas estavam sendo conservadas no Museu Britânico em Londres em 2013.

A escultura, conhecida como a Menina Pássaro, foi criada em 1936, pela escultora Sylvia Judson Shaw (1897-1978), em Lake Forest, Illinois. Ele alcançou a fama quando foi destaque na capa do romance de 1994, Meia-Noite no Jardim do Bem e do Mal. Foi esculpida em Ragdale, a casa de veraneio de sua família. A Menina Pássaro foi fundida em bronze e tem 50 centímetros de altura. Ela é a imagem de uma jovem usando um vestido simples e uma expressão triste e contemplativa, com a cabeça inclinada para a esquerda. Ela permanece em linha reta, os cotovelos apoiados contra sua cintura enquanto ela segura duas tigelas. As bacias são frequentemente descritos pelos telespectadores como "alimentadores de pássaros."

Primeiramente colocada no cemitério de Bonaventure, após o sucesso do livro que gerou também um filme, conforme aumentaram as visitas ao cemitério por causa da estátua (inclusive tendo o cemitério entrado no roteiro oficial de visitas de Savannah), a mesma foi transferida para o Museu Histórico de Savannah.

“Psique Reanimada pelo Beijo do amor” é uma escultura do artista italiano Antônio Canova, encomendada pela primeira vez em 1787 pelo coronel John Campbell. A obra se encontra exposta no Museu do Louvre, em Paris.

Segundo a lenda do autor romano Apuleio, em suas Metamorfoses, “O Asno de Ouro”, nos diz que os Deuses realizaram um conselho concedendo a mão de Psiquê ao deus do Amor, dando a ela a imortalidade e o status de deusa da Alma.

O jovem homem alado visto encima de uma rocha abraçando uma garota inconsciente, é o deus do Amor, (Eros ou Cupido em latim) reconhecível por suas asas e seu estojo cheio de flechas.

A garota é Psiquê, filha de um rei de Mileto, muito invejada por Vênus por sua beleza que a enviou para uma missão no submundo da terra buscar um frasco que continua a beleza das deusas guardado por Perséfone, e com a proibição de abri-lo. Curiosa e não respeitando as ordens abriu e caiu num sono profundo.

O Amor, vendo Psiquê sem praticamente sem vida, procura salvá-la com ajuda de Zeus que aceita seu pedido. Ordena que Hades traga-a de volta e a deixe no alto de uma montanha no Olimpo. Cuidadosamente o Amor abraça a jovem Psiquê dando-lhe uma beijo para traze-la de volta a vida.

O Rapto de Proserpina é uma escultura de Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), considerado um dos maiores artistas do século XVII, tendo seu trabalho quase todo centrado na cidade de Roma.

O mito romano do rapto de Proserpina por Plutão é uma lenda que também aparece na cultura grega, onde Plutão se chama Hades e Proserpina é Perséfone, que encantou o obscuro deus com sua beleza, filha da deusa das colheitas Deméter. Ela é então raptada e levada para as profundezas da Terra, deixando sua mãe enfurecida. O rapto fez com que Deméter castigasse o mundo, arrasando com as plantações, entregando o mundo ao caos e à fome. Conta-se que Perséfone não podia comer nada que lhe fosse oferecido ou ela nunca mais voltaria para casa. Enquanto Zeus tentava convencer Hades a liberar a moça, Perséfone comeu algumas sementes de romã, selando o seu destino. Assim, ela se viu obrigada a casar com Hades, o que deixou Deméter ainda mais furiosa.

Zeus teria então interferido. Perséfone passaria metade do ano com o marido e a outra metade com a mãe. (Há outra versão que diz que ela passava 4 meses com o marido e o resto com a mãe). Dessa maneira, Deméter aceitou e assim os gregos explicavam as épocas do ano. Quando era verão e primavera, sua filha estava ao seu lado. No inverno e no outono, épocas frias, sem colheitas, Perséfone estava com o marido.

A obra encontra-se na Galleria Borghese, em Roma.

A lenda conta que Apolo, o mais belo deus do Olimpo, autoconfiante com seu arco de ouro, irrita o Cupido com sua arrogância. Assim, o Cupido teria lançado duas flechas, uma de ouro em Apolo, que atrai o amor, e outra de chumbo na ninfa Dafne, filha do rio-deus Peneu, que afasta o amor.

Doente de amor, Apolo começou o assédio sobre Dafne, que recusando todos os pretendentes, não deixou de recusar o belo deus. Apolo então começou uma perseguição a Dafne, que corria desesperada pela floresta tentando evitá-lo. Ele estava cada vez mais próximo de seu objetivo quando Dafne suplica ao seu pai, ao vê-lo entre as árvores, que parasse com o sofrimento. Peneu então, vendo que Apolo já tocava os cabelos da filha, a enfeitiça. Dafne sente seu corpo adormecer, sua pele se transformando em casca, os cabelos em folhas, os braços enrijeceram e viraram galhos, os pés fincaram-se no chão virando raízes. Ela então se transformou em um loureiro.

Instalada na Galleria Borghese em Roma.

O Apolo Belvedere ou Apolo do Belvedere é uma estátua de mármore representando o deus grego Apolo, que faz parte do acervo do Museu Pio-Clementino, um dos Museus Vaticanos. Sua datação e autoria são disputadas e sua procedência é desconhecida, mas geralmente é considerado uma cópia romana de um original grego que se perdeu. Redescoberto no Renascimento, o Apolo foi exposto no Cortile del Belvedere do Vaticano a partir de 1511, e dali recebeu seu nome. Logo se tornou célebre, e durante muito tempo foi considerado a representação ideal da perfeição física masculina e uma das mais importantes relíquias da Antiguidade clássica. Foi copiado várias vezes, reproduzido em gravuras de larga circulação e assumiu o papel de um dos principais símbolos da civilização ocidental. A partir de meados do século XIX seu prestígio começou a declinar, e na primeira metade do século XX chegou ao seu nível mais baixo, visto como uma criação inexpressiva. Atualmente recuperou parte de sua antiga fama, e embora vários estudiosos ainda sejam reticentes a respeito de seu mérito artístico, consagrou-se como a mais conhecida das representações do deus, e como um ícone bastante popular.

O Transi de Renato de Chalon, também conhecido como Monumento ao Coração de Renato de Chalon, é um monumento funerário representando um cadáver, realizado na moda do estilo gótico tardio em algum momento entre 1544 e 1557. Localizado em Bar-le-Duc, no nordeste da França, ele consiste de uma efígie de pedra calcária, esculpida por Ligier Richier para adornar o túmulo do príncipe Renato de Chalon, que, aos vinte e cinco anos de idade, morrera durante uma campanha militar. Ela foi encomendada por sua viúva, Ana de Lorena, possivelmente a fim de satisfazer um desejo do próprio Renato, expresso no leito de morte, de que seu túmulo mostrasse o seu corpo com o aspecto que teria após três anos da sua morte.

Harmódio e Aristógito, também conhecidos como os Tiranicidas, foram dois antigos atenienses que se tornaram heróis por terem matado Hiparco, filho de Pisístrato.

Pisístrato foi o responsável pela introdução da tirania em Atenas, tendo governado entre 546 e 527 a.C. A palavra "tirania" não possuía nesta época a conotação negativa que tem hoje, referindo-se apenas ao governo de alguém que tinha tomado o poder pela força. Quando Pisístrato faleceu, o poder passou para os seus filhos, Hípias e Hiparco. Este último interessava-se mais pelas artes do que pelo governo da pólis ateniense, levando uma vida boémia.

Harmódio e Aristógito tornaram-se símbolos da liberdade e da democracia. Os seus descendentes teriam recebido vários privilégios, como o direito a refeições gratuitas pagas pela pólis. Foram também os primeiros atenienses a terem um grupo escultórico construído em sua honra

O Deus do Cabo Artemísio, também conhecido como Bronze de Artemísio ou Deus do Mar, é uma estátua de bronze da Grécia Antiga, que foi recuperada em 1928 ao largo do cabo Artemísio, no norte de Eubeia. Representa ou Zeus ou Poseidon, com cerca de 209 cm de altura, e teria um raio (se Zeus) ou um tridente (se Poseidon) na mão direita. O autor é desconhecido. A estátua de Poseidon/Zeus é um dos elementos mais importantes da coleção de esculturas do Museu Arqueológico Nacional de Atenas.

São duas magníficas obras de arte, datadas por volta do século V a.C., exemplos de antiga escultura grega, pertencentes ao período transitório entre a escultura grega arcaica e o antigo estilo clássico, dadas sua geometria idealizada e anatomia impossível, apesar de seu aparente "realismo"; uma delas é atribuída a Fídias, considerado o maior escultor da Grécia Antiga.

Atualmente podem ser vistas no Museu Nacional da Magna Grécia, na cidade de Reggio Calabria, Itália.

Obra La Pudicizia Velata (A Modéstia Velada), de Antonio Corradini, de 1751, na Cappella Sansevero, em Nápoles, Itália.

É um dos mais impressionantes trabalhos de escultura pela dificuldade de modelar um véu sobre um rosto em mármore, num material que está entre os mais duros do planeta.

O mármore é uma das rochas mais duras que existem no planeta (mineral de dureza 3 na escala de Friedrich Mohs). Por outro lado, esculpir com mármore não permite adição, ou seja, a peça é realizada removendo pequenos pedaços. A partir de um bloco, tudo o que não faz parte da figura é removido. E fazer esculturas sugerindo transparências com o mármore chega a parecer mágica.

Neptuno e Tritão é uma das primeiras esculturas do artista italiano Gian Lorenzo Bernini, confeccionada em mármore entre 1622 e 1623. Atualmente, encontra-se no Museu Vitória e Alberto, em Londres.

A escultura faz referência aos seres mitológicos Neptuno (ou Poseidon) e seu filho, Tritão, os senhores dos mares. Embora ambos apareçam de maneira relativamente breve na literatura clássica, são considerados divindades poderosas no controle da terra e dos mares. É comum o equívoco de atribuir a Neptuno apenas os mares. No entanto, no mito grego, Neptuno é o controlador da terra e de tudo o que ela possui, assim como Zeus é o senhor dos céus e Hades do submundo. Neptuno e Tritão são frequentemente representados na água, segurando tridentes e, geralmente, dirigindo carruagens.

Bernini fez uma representação diferente das divindades. A história retratada na escultura é um mito no qual Neptuno resgata a frota de Eneias da fúria do mar. Bernini reinterpretou-o, focando-se mais nas ações de Neptuno e Tritão do que na própria história em si. No mito, Neptuno vem do fundo do mar e divide os navios com seu tridente. Bernini captou essa cena, com Neptuno apontando o tridente para baixo, embora não faça nenhuma referência aos navios de Eneias, dando assim a impressão de que Neptuno governou os mares a partir de cima.

Antonio Canova - The Three Graces, 1814-1817 – mármore - 173 x 97 x 75 cm - Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia

A estátua de Antonio Canova As Três Graças é uma escultura neoclássica, em mármore, das mitológicas três caridades, filhas de Zeus - identificadas em algumas gravuras da estátua como, da esquerda para a direita, Euphrosyne, Aglaea e Thalia - que se dizia representar a juventude / beleza, alegria e elegância.

A Pietà de Florença é uma escultura de uma Pietà realizada em mármore por Miguel Ângelo e conservada no Museu dell'Opera del Duomo em Florença.

A escultura mede mais de dois metros de altura, e foi iniciada por volta de 1550 e realizada em Roma, onde o artista morava habitualmente desde 1534. Representa o corpo de Cristo sustentado por Nicodemo, abraçado pela Virgem Maria e, à esquerda do grupo, Maria Madalena. No rosto de Nicodemo o artista realizou o seu próprio auto-retrato.

Le génie du mal é uma escultura religiosa executada em mármore branco e instalada em 1848 pelo artista belga Guillaume Geefs. Os historiadores de arte francófonos costumam se referir à figura como um ange déchu, um "anjo caído".

A escultura está localizada no elaborado púlpito da Catedral de St. Paul, em Liège, e retrata um homem classicamente atraente acorrentado, sentado e quase nu, exceto pelas cortinas reunidas sobre as coxas, seu corpo inteiro abrigado em uma mandorla de asas de morcego.

La Petite Danseuse de Quatorze Ans (" A Pequena Dançarina de Catorze Anos"), c. 1881, é uma escultura de Edgar Degas, de uma estudante de dança jovem chamada Marie van Goethem. A escultura foi feita originalmente em cera, antes de ser lançado em 1922 em bronze. "A Pequena Dançarina de Catorze anos de idade" é feito de cera, uma escolha incomum de material para uma escultura da época, vestida com uma saia de algodão com uma fita de cabelo, sentado em uma base de madeira.

O modelo de cera original foi adquirida por Paul Mellon, em 1956. Começando em 1985, o Sr. ea Sra. Mellon deram ao National Gallery of Art (Washington, D.C.), 49 peças de cera, 10 bronzes e dois emplastros, o maior grupo de esculturas de Degas original, entre elas a escultura original.

Adriaen de Vries , (nascido em 1545/46, Haia - morreu em 15 de dezembro de 1626, Praga), escultor maneirista holandês conhecido por seus grupos de esculturas de bronze , muitos dos quais foram feitos para a corte do Sacro Imperador Romano Rodolfo II.

O Perseu com a cabeça da Medusa é uma estátua esculpida pelo italiano Antonio Canova. Está preservada no Cortile Ottagono dos Museus Vaticanos. Foi realizada em mármore branco e tem um tamanho ligeiramente acima do natural.

Possivelmente a sua composição mais célebre no gênero heróico e uma das principais em toda a sua produção, o Perseu foi concebido em torno de 1790 mas esculpido com grande rapidez entre fins de 1800 e o início de 1801

Perseu não é figurado em combate, mas no seu triunfo, sereno, no momento de relaxamento após a tensão da luta com a Medusa. Nele estão expressos dois princípios psicológicos opostos mas contíguos, o da "ira cessante" e o da "satisfação nascente".

Jesus está ereto, quase sem apoio, apenas ligeiramente contido pela mão esquerda de Maria e parece estar prestes a se afastar de sua mãe. Enquanto isso, Maria não se apega ao filho nem olha para ele, mas olha para baixo e para longe.

Localização: Igreja de Nossa Senhora (Bruges)

A Vestal Virgin Tuccia ou Veiled Woman é uma escultura de mármore, criada em 1743 por Antonio Corradini, um escultor veneziano rococó conhecido por suas representações ilusórias de figuras alegóricas femininas cobertas com véus que revelam os detalhes finos das formas abaixo.

Location: Palazzo Barberini, Rome

A estátua de mármore em tamanho natural, conhecida por Fauno Barberini ou também Sátiro Bêbedo, fica exposta na Gliptoteca de Munique, na Alemanha. O Fauno é uma entidade da mitologia romana, equivalente ao sátiro da mitologia grega, onde eram seres meio-humanos que apresentavam características animais, frequentemente com uma cauda, pernas, orelhas ou chifres de bode, e seguiam a Baco, deus do vinho. Gliptoteca de Munique.

Atlas é uma estátua de bronze no Rockefeller Center, dentro do pátio do International Building, no centro de Manhattan, na cidade de Nova York. Está do outro lado da Quinta Avenida da Catedral de São Patrício. A escultura mostra o antigo atlas grego do titã, segurando o céu sobre os ombros.

Jean-Baptiste Pigalle (Paris, 26 de Janeiro de 1714 — Paris, 21 de Agosto de 1785) foi um escultor francês. Destacou-se por suas obras originais e diversificadas. Aluno dos artistas Robert Le Lorrain e Jean Baptiste Lemoyne, partiu para Roma em 1736 sem ajuda financeira do rei. Foi aceito pela academia francesa de pintura em 1741 com a obra Mercurio.

Sua obra mais famosa é a estátuaMercury Attaching His Wings (1744), uma obra de classicização que transmite qualidades de facilidade graciosa e vitalidade juvenil.

Localização: Museu do Louvre.

O busto de Rodin é uma escultura de bronze feita pelo escultor francês Camille Claudel entre 1888-1889. É considerado a última homenagem a Auguste Rodin , que não foi fundido em bronze até 1892, apesar de ter recebido uma crítica inicial positiva do Salão do Automóvel de Paris em janeiro

Entre 1882 e 1892, o processo criativo de La Puerta del Infierno estava em pleno andamento. Isso marcou um período de convivência íntima e profissional entre Auguste Rodin e Camille Claudel.

Diana é umaestátua icônica do escultor Augustus Saint-Gaudens , representando a deusa Diana . Outrora uma importante característica artística da cidade de Nova York, a segunda versão ficou no topo da torre do Madison Square Garden de 1893 a 1925. Desde 1932, está na coleção do Museu de Arte da Filadélfia.

Puget's Milon de Croton (1682) é uma obra monumental, com quase três metros de altura, é uma de suas obras mais dramáticas e expressivas. Ilustrando uma história de Ovídio, retrata o momento em que Milon de Croton, um guerreiro célebre, mas agora idoso e fraco, é atacado por um leão. Sua expressão no momento em que o leão agarra a de Milon é distorcida pela dor e cheia de pathos. Esta obra foi satisfatória para Colbert, foi comprada pelo governo real e recebeu um lugar de destaque nos Jardins de Versalhes.

Pierre Paul Puget nasceu em 16 de outubro de 1620 na casa de seu pai, um pedreiro, no bairro operário de Panier, em Marselha. Como seus dois irmãos mais velhos foram treinados como pedreiros, ele foi treinado como entalhador. Ele começou sua carreira aos quatorze anos, esculpindo os elaborados enfeites de madeira das galeras construídas nos estaleiros de Marselha. Ele também mostrou talento como pintor.

Sua escultura expressa emoção, pathos e drama, diferenciando-a da escultura mais clássica e acadêmica do Estilo Luís XIV.

Figura de mármore de 2,15 metros (7 '4 ") de altura. Está localizada no Louvre, em Paris.

Quatorze reproduções do Escravo Moribundo adornam o andar superior da delegacia de polícia do 12º distrito de Paris.

Hércules e Caco é uma escultura branca à direita da entrada do Palazzo Vecchio, na Piazza della Signoria , em Florença, Itália.

Esta obra do artista florentino Baccio Bandinelli (1525–1534) foi encomendada como um pendente do David de Michelangelo , que havia sido encomendado pelo conselho republicano de Florença, sob Piero Soderini, para comemorar a vitória sobre os Medici .

Aqui, o semideus Hércules , que matou o monstro cuspidor de fogo Caco durante seu décimo trabalho de roubo de gado, é o símbolo da força física, que se justapôs bem a Davi como símbolo de força espiritual, ambos símbolos desejados pelos Médici. Este grupo de mármore mostra o tema básico do vencedor (os Medici) e dos vencidos (os republicanos). A pausa sugere a leniência dos Médicis para aqueles que cedem ao seu governo e serve como um aviso para aqueles que não o fazem, pois esta pausa pode ser indefinida ou simplesmente temporária.

Um Apolo Citaredo, designa uma estátua ou outro tipo de imagem de Apolo portando um de seus atributos, uma cítara (lira), instrumento de corda pulsada.

Entre os exemplos mais bem conhecidos se encontra o Apolo Citaredo dos Museus Vaticanos, uma colossal estátua de mármore do século II d.C. por um desconhecido escultor romano. Apolo é mostrado coroado com folhas de loureiro e vestindo a longa, veste fluida do bardo jônico. A estátua foi encontrada em 1774, com sete estátuas das Musas, nas ruínas da villa de Caio Cássio Longino, perto de Tivoli, Itália.

As esculturas são conservadas no Salão das Musas, no Museu Pio-Clementino dos Museus Vaticanos.

Operário e Mulher Kolkosiana  é uma escultura de 24,5 metros, feita de aço inoxidável, pela escultora soviética Vera Mukhina, em 1937, para ser a peça central do pavilhão soviético da Exposição Internacional de Paris, realizada naquele mesmo ano. A escultura, em estilo Art Déco, constitui uma referência e um símbolo incontestavelmente poderoso do realismo socialista soviético. O monumento é composto por duas figuras: o operário, representando os trabalhador da cidade, levanta ao alto um martelo, e a kolkosiana, representando os trabalhadores do campo, levanta uma foice. Juntos, os dois formam o símbolo soviético da foice e martelo.

Com 24 metros de altura e pesando 80 toneladas, esta escultura monumental foi construída especialmente para a Exposição Universal de 1937 em Paris, onde esteve exposta no pavilhão da União Soviética. Ela foi dividida em 65 partes e transportada até Paris, onde lá foi remontada. Após o término da exposição, a escultura foi transportada para Moscou e instalada em um pedestal de dez metros (ficando a 34,5 metros do solo) na entrada norte (na época, a principal) do Centro Panrusso de Exposições, onde está até hoje.

O artista francês Pierre Julien criou esta escultura poderosa intitulada Gladiateur Mourant (Gladiador Moribundo). O gladiador se senta ao lado da pedra, ajoelhado. Sua figura nua era bem proporcionada, com as características de um gladiador esculpidas. A pedra em seu braço cedeu a impressão de que ele estava morrendo, e a espada ao lado dele combinava com o personagem. Cada pequeno detalhe da figura foi esculpido no lugar.

Localização: Museu do Louvre

Aqui está uma Vênus Anadyomene do escultor flamengo Giambologna (nascido em Jean de Boulogne, 1529-1608). A estátua também é conhecida como “Vênus Fiorenza” e foi criada para cobrir a fonte deixada incompleta por Nicolò Pericoli (chamada “il Tribolo”), atualmente em Villa La Petraia em Florença.

A estátua retrata Afrodite nascendo da água, conforme descrito por tantos artistas.

Uma das composições mais famosas do grande escultor neoclássico Canova representa Paris julgando qual das três deusas, Juno, Minerva ou Vênus, era a mais bonita. Supostamente o mortal mais bonito, Paris usa o boné frígio característico da região da atual Turquia, onde viveu. Sua pose calma e seu olhar sereno não dão nenhuma pista do rescaldo do momento; depois que ele concedeu a Vênus a maçã de ouro mantida nas costas e recebeu o suborno de Helena, esposa de Menelau, a desastrosa Guerra de Tróia começou. Canova esculpiu a primeira versão desse assunto para Joséphine de Beauharnais entre 1808 e 1812; agora está no Museu Hermitage, em São Petersburgo.

O mensageiro alado dos deuses, Mercúrio, carrega Psiquê para se reunir com seu amante Cupido. As figuras em espiral e o sentido de movimento demonstram a habilidade composicional de Adriaen de Vries. Nascido na Holanda, De Vries foi aluno do escultor Giambologna, que trabalhou para a corte dos Medici em Florença.

Musée du Louvre, Paris

O Cupido Adormecido foi uma escultura criada pelo artista renascentista Michelangelo , que ele envelheceu artificialmente para parecer uma antiguidade por conselho de Lorenzo di Pierfrancesco.

Em 1698, o Cupido Adormecido foi provavelmente destruído no grande incêndio no Palácio de Whitehall, em Londres

As três Sombras constitui uma escultura em bronze de Auguste Rodin, e foi executada antes de 1886.

Na Divina Comédia de Dante, inspiração de Rodin para a obra, as sombras, ou seja, as almas dos condenados, estão na entrada para o Inferno, apontando para uma inscrição inequívoca, "abandone a esperança, vós todos os que aqui entram".

Rodin fez vários estudos de sombras, antes de finalmente decidir montar três figuras idênticas que parecem estar girando em torno do mesmo ponto. Ele as colocou em cima da Porta do Inferno, de onde eles poderiam olhar para baixo para o espectador.

Entre las creaciones más sobresalientes de Giovanni da Bologna (Douai, 1529, Florencia, 1608), conocido en nuestro país como Juan de Bolonia, está la Venus Urania o Alegoría de la Astronomía. La pieza, cuya mejor versión se conserva en el Kunsthistorisches Museum de Viena, fue realizada en bronce dorado en Florencia hacia 1573.

A Cabra Amalteia com o Infante Júpiter e um Fauno é uma escultura barroca e uma das primeiras de Gian Lorenzo Bernini. Foi produzida em algum momento entre 1609 e 1615, hoje integrante da coleção da Galleria Borghese, em Roma.

Segundo a mitologia grega adaptada posteriormente pelos romanos, o mito da cabra Amalteia é uma lenda que conta que Amalteia é a cabra que alimentou com o seu leite o deus Júpiter, ou o Zeus grego. Ele era ainda criança e, ao brincar com a cabra, quebrou um de seus chifres.

Por gratidão aos cuidados a ele desprendidos, Júpiter transformou este chifre na Cornucópia que é o corno da abundância atribuído como símbolo à maior parte das personificações romanas, que se vê nos reversos das moedas. Amalteia, na mitologia grega, foi a ninfa que possuía a cabra Aix que cedeu leite a Zeus recém-nascido.

Tête é uma escultura em calcário de Amedeo Modigliani e está entre as obras de arte mais caras já vendidas. Em 2010, um licitante anônimo por telefone comprou a Tête por € 43,2 milhões na Christie's em Paris . A venda foi recorde em umleilão francês e colocou a escultura entre as mais caras já vendidas . Um licitante anônimo por telefone venceu o leilão. Desde 1927 a peça estava na coleção de Gaston Lévy , artista e conhecido de Modigliani.

Tête é uma das 27 esculturas conhecidas de Modigliani e foi feita entre 1910 e 1912.  A cabeça de calcário tem mais de 60 centímetros de altura  e representa a cabeça de uma mulher usando uma máscara tribal com o cabelo penteado para trás.  Foi exibido pela primeira vez no Salon d'Automne de 1912 (Salão de outono).

Grande tête mince é uma escultura em bronze de Alberto Giacometti . A obra foi concebida em 1954 e lançada no ano seguinte. Leiloada em 2010, Grande tête mince se tornou uma das esculturas mais valiosas já vendidas, ao faturar US $ 53,3 milhões.

As dimensões da obra são incomuns, distorcendo as proporções para tornar a cabeça alta e fina:

Quando visto de diferentes pontos de vista, Grande Cabeça de Diego parece ser duas cabeças distintas. De frente, a cabeça é estreita; o efeito é como olhar diretamente para o fio de uma faca. De lado, o perfil é encorpado e dramaticamente recortado, contradizendo completamente a vista frontal.

Leoa de Guennol é uma estátua mesopotâmica de 5.000 anos de idade feita em pedra calcário, supostamente encontrada próxima de Bagdá, no Iraque. Representando um corpo humano leonino-antropomórfico com formas musculosas e definidas, foi vendida por US $ 57,2 milhões na casa de leilões da Sotheby's em 5 de dezembro de 2007. A escultura foi adquirida por um colecionador particular, Alastair Bradley Martin, em 1948, da coleção de Joseph Brummer, e esteve em exibição no Museu de Arte do Brooklyn, em Nova York, desde aquela época até sua venda em 2007.

De acordo com uma descrição, possivelmente apócrifa, de Plínio, Praxíteles recebeu uma encomenda dos cidadãos de Cós para esculpir uma estátua da deusa Afrodite. Praxíteles terá criado duas versões: uma vestida com roupas e a outra completamente nua. Os cidadãos de Cós, chocados, rejeitaram a estátua nua e compraram a versão coberta, que não sobreviveu até aos nossos tempos, nem parece ter merecido a atenção dos seus contemporâneos. A versão rejeitada de Afrodite nua foi comprada por alguns cidadãos de Cnido e exposta num templo ao ar livre, num pedestal que permitia observá-la de todos os lados. Tornou-se rapidamente uma das mais famosas obras de Praxíteles, pela sua beleza e erotismo.

A obra deu origem a uma família tipológica conhecida como Vênus Pudica, um dos modelos formais mais reproduzidos na arte do Ocidente, com muitas variantes.

O Kouros Kroisos ou Kouros de Anavissos é uma estátua de um kouros (jovem) produzida na Grécia Antiga em torno de 530 a.C. Tem 1,94 metros de altura e foi realizada em mármore de Paros. Seu autor é desconhecido e não há registro seguro de quando e por quem foi encontrada. Sua existência só foi notada quando foi descoberta em Paris em 1937 em posse do negociante de arte M. Roussos, quando foi resgatada pela polícia grega e levada para o Museu Arqueológico Nacional de Atenas, onde hoje se encontra. Foi aberta uma investigação e foram colhidos relatos de que havia sido alguns anos antes desenterrada ilegalmente de um tumulus em Anavissos, na Ática, sendo serrada em várias partes e remetida a Paris para venda. Não foram encontradas partes do braço esquerdo, da perna e pé esquerdos e do pé direito, que foram reintegradas. Pequenos danos espalhados pela superfície, como arranhões e alguns fragmentos ausentes, não foram restaurados.

As estatuetas de Tânagra eram pequenas esculturas de terracota, produzidas pelos gregos antigos a partir do século IV a.C., reproduzindo principalmente mulheres jovens e de formas esbeltas, mas também crianças, divindades, máscaras, pessoas em afazeres domésticos e outras figuras. Finamente trabalhadas, raramente alcançavam mais de 20 ou 25 centímetros de altura. Eram produzidas em molde, sendo portanto ocas, tendo a parte de trás geralmente moldada à mão. Depois de cozidas, eram mergulhadas em uma solução líquida de argila e pintadas em cores vivas.

O nome deriva da aldeia de Tânagra, na Beócia, onde os espartanos derrotaram os atenienses em 457 a.C.. Uma grande quantia dessas estatuetas foram primeiramente encontradas na necrópole dessa aldeia, um centro cerâmico em grande atividade desde o período pré-clássico. A partir de de 350 a.C., tornaram-se muito admiradas por seu estilo naturalista, variedade e pela riqueza do colorido, sendo exportadas para muitas regiões e imitadas em todo o mundo grego.

O Peplos Kore é uma estátua de uma menina e um dos exemplos mais conhecidos da arte grega arcaica. A estátua de mármore branco de 118 cm de altura foi feita por volta de 530 aC e originalmente era pintada com cores coloridas.

Busto de Péricles com a inscrição "Péricles, filho de Xantipo, Ateniense". Cópia romana em mármore de um original grego, c. 430 a.C. (Museus Vaticanos, Roma).

A Dama de Auxerre é uma pequena estátua de 65 cm encontrada no museu de Auxerre em 1907. É o mais perfeito exemplo do estilo dedálico que caracterizou a escultura grega no século VII a.C. É uma kore e um dos mais importantes exemplares da estatuária grega arcaica. Datada de 650—625 a.C., provavelmente é uma representação da deusa Perséfone. Possivelmente é originária de Creta. Pertence ao acervo do Museu do Louvre, em Paris.

O Auriga de Delfos é uma estátua em bronze representando um condutor de carruagem (auriga). Produzido na Grécia em torno de 478-474 a.C., fazia parte de um grupo que incluída um segundo personagem, a carruagem e quatro cavalos. É uma das poucas estátuas em bronze gregas originais que sobreviveram, uma das principais obras representantes do Estilo Severo e uma das principais atrações do Museu Arqueológico de Delfos.

O Auriga foi encontrado em 1896 por escavadores franceses na área do santuário de Apolo em Delfos, na mesma localização indicada por Pausânias. Uma inscrição encontrada próxima da estátua, dizendo "Polyzalos me dedicou", sugere que o conjunto tenha sido oferecido por Polyzalos, tirano de Gelas, na Sicília, em agradecimento ao deus por uma vitória nas corridas dos Jogos Pítios. Um segundo fragmento de inscrição, embora menos legível, parece mostrar o nome do autor, Sotades, mas também foi atribuída a Pitágoras de Régio.

A Máscara de Agamemnon é um artefato descoberto em Micenas, na Grécia, em 1876 por Heinrich Schliemann. É uma máscara funerária de ouro que cobria o rosto de um corpo. Schliemann acreditou que tinha descoberto o corpo do lendário líder grego Agamemnon, daí o nome. Contudo, pesquisas arqueológicas recentes sugerem que a máscara é de 1.500 a 1.550 a.C, o que significa uma época bem anterior a Agamemnon. Apesar disso, o nome permanece.

A máscara está hoje no Museu Arqueológico Nacional de Atenas, em Atenas.

Cleobis e Bitão refere-se a uma cópia de um grupo escultórico, em mármore de Paros, de duas figuras masculinas desnudas, que remonta a c. 585 a.C. e encontra-se preservada no Museu Arqueológico de Delfos. Trata-se de um dos mais antigos exemplares da escultura grega arcaica, dos princípios da iconografia dos Kouroi.

Grande Esfinge de Tânis ou “Grand Sphinx de Tânis” é uma das maiores esculturas conservada fora do Egito, descoberta em 1825 pelo egiptólogo e cônsul inglês, Henry Salt (1780-1827), nas ruínas do Templo de Amon-Rá, na cidade de Tânis, antiga capital do baixo Egito, na XXI dinastia (1070 a 945 a.C.) e XXII dinastia (945 a 712 a.C.).

Adquirido em 1826, pelo Museu do Louvre, graças a Jean-François Champollion (1790-1832), egiptólogo francês, conservador do Louvre, 1° homem a decifrar os hieróglifos, e que convenceu o rei Carlos X (1824-1830), a comprar essa e outras antiguidades egípcias de Henry Salt.

Arqueólogos após estudaram certos detalhes concluíram que a “Esfinge” “ é de uma época muito antiga, possivelmente 2600 a.C. Pesa 12 toneladas, e tem 1,83 metros de altura por 4,80 metros de comprimento e 1,54 metros de largura.

A Estátua equestre de Marco Aurélio é uma estátua romana antiga no Capitólio de Roma, na Itália. É uma estátua equestre de bronze com 4,24 metros de altura. Embora o imperador esteja montado, ela apresenta muitas similaridades com as tradicionais estátuas em pé de Augusto. A original está abrigada nos Museus Capitolinos e a versão atual, instalada ao ar livre na Piazza del Campidoglio, é uma réplica feita em 1981, quando a original foi removida para restauro.

O tema geral da obra é o do poder e da grandeza divina — o imperador está representado em grandes dimensões e está gesticulando com a mão, como fazia Augusto nos seus retratos.

Ele cavalga sem estribos, uma inovação oriental que ainda não tinha chegado ao ocidente.

A Gorda Gertrudis é uma escultura que foi trazida de Florência, Itália no ano de 2000, como uma doação do escultor. A escultura de 650 quilos é célebre na cidade e tem duas partes desgastadas devido ao mito que diz que quem toca as nádegas da escultura terá boa sorte e que ao tocar os seios de Gertrudis, garantirá um duradouro romance. A Gorda Gertrudis está localizada na Praça Santo Domingo dentro da Cidade Amuralhada.

Erasmo da Narni (Narni, 1370 – Pádua, 16 de janeiro de 1443), mais conhecido como Gattamelata, foi um dos mais famosos condottieri, ou generais mercenários, do Renascimento italiano. Serviu às cidades de Florença, Veneza e ao Papado. Foi imortalizado com uma estátua equestre criada por Donatello, instalada na cidade de Pádua, onde ele foi ditador em 1437, e onde faleceu.

Em Narni, a fazenda onde nasceu o Gattamelata tem uma placa com a inscrição "Narnia me genuit Gattamelata fui" ("Nasci em Narni, eu era Gattamelata").

Para quê ficar pela pintura? Picasso também revolucionou a escultura! Usando cartão, papel e fios de metal, o artista criou uma versão cubista de uma guitarra, trazendo o Cubismo para a 3ª dimensão.

Formas Únicas de Continuidade no Espaço é uma célebre escultura futurista do artista da avant-garde italiana Umberto Boccioni. A versão original é em gesso, havendo fundições póstumas em bronze, em bentes museus do mundo. Possui 111,2 cm de altura por 88,5 cm de comprimento e 40 cm de largura. O original está em São Paulo, no Museu de Arte Contemporânea da USP. Há cinco fundições posteriores em bronze, uma também no MAC-USP e as demais dispersas em museus de Nova York, Londres e Los Angeles, Milão y Cosença, en Calábria.

Com esta escultura Boccioni tentou, muito para além da impressão de movimento, explorar a noção de velocidade e de força na escultura, pretendendo atribuir valores lumínicos à superfície esculpida. A escultura ultrapassa os limites corpórios do ser-humano, sendo que se assemelha a uma bandeira a esvoaçar com o vento. Parece que o corpo que ali se representa serpenteia, lutando contra uma força invisível. Embora o resultado (físico) seja um retrato a três dimensões, o corpo em movimento introduz uma quarta dimensão, o tempo. Na sua "luta" contra essa força invisível, o corpo vai-se deslocando, deixando para trás pedaços de si.

Cloud Gate é uma escultura do artista Anish Kapoor, situada no centro da AT&T Plaza, no Millennium Park em Chicago, Illinois, Estados Unidos da América. A escultura e a AT&T Plaza localizam-se no topo do Park Grill, entre a Chase Promenade e a McCormick Tribune Plaza & Ice Rink. Erguida entre 2004 e 2006, a obra foi alcunhada de "The Bean" devido à sua forma. Composta por 168 placas de aço inoxidável, o seu exterior completamente polido não tem uniões visíveis. Mede 10 por 20 por 13 metros e pesa 99.5 toneladas.

Inspirada pelo mercúrio em estado líquido, a superfície da escultura reflecte e distorce o panorama urbano da cidade. Os visitantes podem andar em seu redor e mesmo debaixo, já que o arco tem 3,7 m de altura. Na zona inferior está o "omphalos" (grego para umbigo), uma câmara côncava que altera e multiplica reflexões. A escultura incorpora muitos dos temas artísticos de Kapoor, sendo popular entre os turistas pelas suas possibilidades fotográficas únicas.

A estátua de Lincoln está localizada numa das três câmaras do interior do memorial. Foi esculpida pela firma Piccirilli Brothers (que também trabalharam na Biblioteca Pública e na Bolsa de Valores de Nova Iorque), através do projeto de Daniel Chester French em mármore branco da Geórgia. O pedestal, sobre o qual ergue-se a estátua é de mármore do Tennessee.

A estátua de Lincoln apresenta uma feição reflexiva, sentada sobre um trono e com as vestes do homenageado, porém foram adicionados adornos semelhantes aos antigos memoriais romanos. O rosto de Lincoln está voltado diretamente para quem adentra a câmara, causando a impressão de que está a observar todo o National Mall.

Logo acima da estátua, está um epitáfio cravado no mármore, que diz: "Neste templo, como nos corações do povo, para quem salvou a União, a memória de Abraham Lincoln é conservada para sempre".

Estátua da Liberdade, cujo nome oficial é A Liberdade Iluminando o Mundo, é uma escultura neoclássica colossal localizada na ilha da Liberdade no porto de Nova Iorque, nos Estados Unidos. A estátua de cobre, projetada pelo escultor francês Frédéric Auguste Bartholdi, que se baseou no Colosso de Rodes para edificá-la, foi construída por Gustave Eiffel e dedicada em 28 de outubro de 1886. Foi um presente dado aos Estados Unidos pelo povo da França. A estátua é de uma figura feminina vestida que representa Libertas, deusa romana, que carrega uma tocha e um tabula ansata (uma tabuleta que evoca uma lei) sobre a qual está inscrita a data da Declaração da Independência dos Estados Unidos, 4 de julho de 1776. Uma corrente quebrada encontra-se a sob pés. A estátua é um ícone da liberdade e dos Estados Unidos, além de ser um símbolo de boas-vindas aos imigrantes que chegam do exterior.

A China pode se orgulhar de ter três grandiosos monumentos entre as maiores estátuas do mundo, e deve se orgulhar mais ainda por ter a maior estátua do mundo – uma representação do Buda Vairochana, erguida a impressionantes 153 metros de altura, no distrito de Henan. Entre os cinco budas de meditação, Vairochana é o do Centro, e representa o Adi-Buda, a essência da qual emanam todos os budas; representa também o espaço que permite a manifestação de todos os fenômenos. A estátua está localizada no Templo Foquan, construído durante a Dinastia Tang, que governou a China de 618 a 907, e leva seu nome por causa de uma fonte situada próxima ao local, da qual emana água a temperatura de 60ª e cujas propriedades acreditam-se serem curativas. O Buda do Templo da Primavera foi construído como uma resposta do governo chinês à destruição dos Budas de Bamiyan, no Afeganistagão – representações do Buda esculpidas em pedra e datadas do século V, que foram destruídas pelo Talibã em 2001.

Ushiku Daibutsu, em tradução do japonês, significa “Grande Buda em Ushiku”, e é um nome bastante ilustrativo para essa que é a terceira maior estátua do mundo. São 110 metros de altura, sem contar a base de mais 10 metros. Feita totalmente em bronze, essa grande representação do Buda Amitaba foi construída em comemoração ao nascimento de Shinran, fundador de uma das principais escolas budistas do Japão, a Jodo Shinshu. Dentro da estátua, um elevador leva os visitantes a até 85 metros de altura, percorrendo inúmeros níveis em que se pode ver outras 30 mil estátuas budistas, além de fazer preces, escutar mantras e apreciar a belíssima vista dos jardins que circundam o local.

P.S.: Há uma controvérsia se essa seria de fato a terceira ou a segunda na lista, já que, contando com a sua base e plataforma de 10 metros, a estátua teria, na verdade, 120 metros de altura. No entanto, os especialistas levam em conta apenas o tamanho da estátua em si, sem a base, e por isso a Ushiku Daibutsu fica em terceiro lugar.

A força do budismo nos países orientais pode ser percebida quando analisamos a quantidade de grandiosas estátuas construídas nessas nações para homenagear figuras importantes de sua fé. Tanto é que a quarta posição dessa lista também é ocupada pela representação de uma deidade budista: novamente a Guanyin, forma feminina do Bodisatva da Compaixão. A devoção a essa deidade é particularmente forte na China, e talvez por isso o país tenha se empenhado em construir uma representação tão elaborada de Guanyin. A bela escultura de 108 metros de altura está situada na costa da província de Hainan, próxima do Templo Nashan da cidade de Sanya. Ela tem três aspectos: o primeiro deles, voltado para a terra, mostra Guanyin olhando por todos aqueles que se aproximam; o segundo e o terceiro estão voltados para o mar da China, simbolizando que a bodisatva direciona suas bênçãos e proteção não apenas para nação chinesa, mas para todo o mundo. De todas as representações budistas de Guanyin, essa é a maior e a mais conhecida.

Voltamos ao Oriente com o sétimo lugar dessa lista, ocupada pela grandiosa estátua Daikannon, em Sendai, no Japão. Assim como a 10ª colocação, esse monumento também é uma representação de Guanyin, ou Kannon, em japonês, a forma feminina de Avalokiteshvara, o Bodisatva da Compaixão na iconografia budista. Além disso, ambas têm em comum o fato de conterem, por dentro, uma rica estrutura aberta à visitação turística, com altares e espaços para orações, além de plataformas com vistas impressionantes. Ao todo, essa Daikannon possui 12 andares nos quais encontram-se 108 estátuas budistas, proporcionando ao visitante uma experiência única, ao mesmo tempo religiosa e turística.

A nona colocação da lista também é faz parte da iconografia budista. Desta vez, o próprio Buda é representado em posição de lótus, erguendo-se a 92 metros de altura no Monastério de Wat Muang, em Ang Thong, na paradisíaca Tailândia. Foram 18 anos para que a grande escultura, cuja construção começou em 1990, fosse finalizada, o que só ocorreu em 2008. Sua pintura foi feita em ouro e cimento e ela é a maior estátua da Tailândia. Cerca de 95% da população do país é praticante do Budismo Theravada.

Cristo Redentor é uma estátua art déco que retrata Jesus Cristo, localizada no topo do morro do Corcovado, a 709 metros acima do nível do mar, no Parque Nacional da Tijuca, com vista para a maior parte da cidade do Rio de Janeiro, Brasil. Em 2007 foi eleito informalmente como uma das sete maravilhas do mundo moderno.

Localizada no Reino Unido

Localizada em várias localidades no mundo

Exposta no Festival Burning Man em 2015

Localizada em Granada

Localizado em Bondi, Australia Localizado em Bondi, Australia

Dentro dos jardins da antiga Villa Medicea di Pratolino, mais tarde nomeado para Villa Demidoff, na cidade de Pratolino, à 12 quilômetros ao norte de Florença, na Itália, uma gigantesca escultura épica de um homem coberto de lama e líquens de 14 metros de altura, construído na metade do século 16 e chamada de Colosso dell’ Appennino, ou Colossus de Apeninos, que segundo historiadores, é a representação do deus Apenino, e uma espécie de símbolo que representa a magnitude da cordilheira dos Apeninos, que se estende ao longo da costa leste e da parte central da Itália. A enorme estrutura foi erguida entre 1579 a 1583 pelo escultor italiano Jean de Boulogne, conhecido como Giambologna. A escultura do homem, como se recentemente tivesse saído da lagoa, ainda escorrendo lama e algas,  é o guardião dela e está numa posição vigilante e serena, empoleirado no topo de uma formação de pedras e com uma das mãos apoiada sobre a cabeça de um dragão e demonstra uma conexão entre o homem e a natureza. O Dragão foi acrescentado na escultura pelo artista Giovan Battista Foggini no século 17. O Colossus de Apeninos tornou-se Patrimônio da UNESCO em 2013.

Originalmente, a figura colossal estava no meio a uma série de outras estátuas de bronze, muitas das quais foram perdidas ou roubadas no decorrer dos anos. A estrutura do colosso construído de tijolo e pedra resistiu por séculos e o parque que a escultura está localizada, foi construído como um presente para a amante e futura esposa, a veneziana Bianca Capello, pelo duque italiano Francesco I de Médici, e a ideia do parque era que fosse um imenso cenário de contos de fadas.

O Monte Rushmore localiza-se em Keystone, no estado do Dakota do Sul, Estados Unidos.

É um monte onde estão esculpidos os rostos de quatro Presidentes dos Estados Unidos: George Washington, o primeiro presidente dos EUA, Thomas Jefferson, autor da declaração da independência, Theodore Roosevelt, que conquistou maior conhecimento e liberdade de expressão, e Abraham Lincoln, que lutou pela paz do país durante toda guerra civil. Ideia do pintor e escultor Gutzon Borglum.

A escultura foi criada para chamar atenção aos cuidados ecológicos. A escultura está localizada em um local rico em natureza e belezas naturais, Glarona, o que faz as pessoas quererem pensar em como preservar a beleza circundante.

Mãe Pátria é um monumento erguido em Volgogrado, antiga Stalingrado, na Rússia. Está no topo da colina de Mamayev Kurgan, comemorando a Batalha de Stalingrado. O monumento foi projetado pelo escultor Yevgeni Vuchetich e pelo engenheiro civil Nikolai Nikitin. Foi considerada a maior estátua do mundo quando foi inaugurada, em 1967. Atualmente é a maior estátua (sem o pedestal) de uma mulher humana do mundo, a maior estátua da Europa.

A Mãe Pátria é uma figura feminina com uma espada na mão chamando-o para lutar contra o inimigo. A obra mede 85 metros do topo de seu pedestal até a ponta da espada

A modelo que posou para a Mãe Pátria, Valentina Izotova, é uma natural da cidade, e ainda é reconhecida pela semelhança com a estátua.

Maman é uma escultura de bronze, aço inoxidável e mármore da artista Louise Bourgeois. A escultura, que representa uma aranha, está entre as maiores do mundo, medindo mais de 30 pés de altura e 33 pés de largura. Inclui um saco contendo 32 ovos de mármore e seu abdômen e tórax são feitos de bronze com nervuras.

L'Homme qui marche é uma escultura em bronze do artista expressionista Alberto Giacometti, actualmente propriedade de um coleccionador privado.

A escultura é de 1961 e representa um homem, com 183 centímetros de altura, a caminhar. A peça é considerada uma das mais importantes obras do artista e um dos mais importantes ícones da Arte Moderna.

Escultor e cineasta Jerzy Kalina, 2006. Wroclaw, Polônia.

É uma série de sete figuras de transeuntes, que "afundam" na rua de um lado, para subir novamente do outro lado da rua.

O monumento de um transeunte anônimo" representa a escravização dos cidadãos durante o comunismo.

A escultura Freedom,  localizada na sede mundial da GSK (GlaxoSmithKline), na Filadélfia, Pensilvânia, é um hino à luta pela liberdade.

a composição se desenvolve da esquerda para a direita, começando com uma espécie de múmia/morte como figura cativa. No segundo quadro, a figura, que lembra Rebellious Slave, de Michelângelo, começa a se agitar e luta para escapar. A figura no terceiro quadro rasgou-se do muro que o mantinha cativo e está saindo,  para a liberdade. No quarto quadro, a figura é inteiramente livre, vitoriosa, os braços estendidos, completamente afastada da parede. Ele evoca uma fuga da sua própria mortalidade.

Exposta em Nova York. Sobre a estátua, o artista explicou: “A partir do momento em que nascemos, o mundo parece ter um recipiente pronto para todos nós, um número, um gênero, uma raça, uma profissão e um QI. Eu penso se estamos mais definidos pelo recipiente do que pelo que somos por dentro. Será que nos reconheceríamos se pudéssemos expandir além de nossos corpos? Será que poderíamos existir se fossemos realmente autênticos?